El Premio Nobel de Literatura 2026 fue adjudicado a la poeta, ensayista, traductora y helenista canadiense Anne Carson.

“El Premio Nobel de Literatura 2026 ha sido concedido a la escritora canadiense Anne Carson ‘por su audaz e inventiva obra que, en un diálogo lúdico con la tradición clásica, ha creado nuevas formas para la literatura contemporánea'”, anunció el sitio web oficial de los Premios Nobel.

A lo largo de toda su carrera, Carson ha combinado la escritura de poesía con la traducción y la docencia en diversas universidades. Según el comunicado, la parte significativa de su producción literaria se centró en la intersección entre la obsesión del filólogo por las palabras y el deseo del poeta de encontrar nuevos significados.

La página web de los Premios Nobel también recordó que la propia Carson había señalado que la etimología de las palabras constituye el punto de partida de toda su obra.

En 2020, Carson recibió el Premio Princesa de Asturias de las Letras. Entre sus principales obras figuran Eros the Bittersweet (Eros dulce y amargo, 1986), Autobiography of Red (Autobiografía de rojo, 1998), Men in the Off Hours (Hombres en sus horas libres, 2000), The Beauty of the Husband (La belleza del marido, 2001), If Not, Winter (Si no, el invierno, 2002), Nox (2010) y Norma Jeane Baker of Troy (Norma Jeane Baker de Troya, 2019).

El de hoy es el 119 Premio Nobel de Literatura adjudicado desde 1901. Está dotado con 12 millones de coronas suecas, o más de 1,2 millones de dólares al cambio actual.

En 2025, el premio fue adjudicado al escritor húngaro László Krasznahorkai, por una obra visionaria y contundente que, en medio del terror apocalíptico, reafirma el poder del arte.

De 1901 a 2025 un total de 122 escritores, entre ellos 18 mujeres, ganaron el Premio Nobel de Literatura. A diferencia de las categorías científicas, este premio rara vez se divide: de los 118 premios adjudicados, solo en cuatro ocasiones (1904, 1917, 1966 y 1974) se compartió entre dos autores.

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El más joven de los ganadores, con solo 41 años en 1907, fue el británico Rudyard Kipling. La de más edad fue la británica Doris Lessing, que recibió el premio en 2007, a los 88 años.

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_{Con información de Sputnik.}

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“El tiempo es un sonido que no escuchamos” “Cuando ves un relámpago, las venas del cuerpo, un huracán o la trayectoria de una abeja, te das cuenta de que las líneas son muy parecidas. Es algo mágico cómo se repite ese patrón”.  “Al entender que pertenecemos todos a un mismo sistema, como seres humanos también creo que nos volvemos más compasivos, porque somos parte de un todo”. “Eso es la magia del instante: transmitir la relatividad de las cosas, que no todo es solamente lo que vemos, sino que hay muchísimas formas de apreciar un instante”.

Glenda León

¿A qué suena el tiempo? La pregunta parece imposible de responder. Sin embargo, es precisamente desde esa paradoja que Glenda León construye “El tiempo es un sonido que no escuchamos”, su primera exposición individual en Colombia, abierta al público en galería La Cometa en Bogotá.  A través de su obra, Glenda presenta “una reflexión poética frente al tiempo, cómo nos relacionamos con el mundo y también con una suerte de levedad frente a la gravedad de la situación actual”, indicó Ana Cárdenas, Coordinadora Artística de Galería La Cometa.

Reconocida por una práctica creativa que encuentra poesía en objetos cotidianos, fenómenos naturales y relaciones aparentemente invisibles, Glenda León propone en esta muestra detenerse frente a aquello que normalmente pasa inadvertido: el tiempo que transcurre, el instante que puede cambiar una vida, los patrones que conectan la naturaleza y la forma en que nuestra percepción construye aquello que llamamos realidad.

La exposición reúne 22 obras, entre instalaciones, objetos, textiles y piezas de pequeño y gran formato. Algunas se presentan por primera vez y otras revisitan investigaciones anteriores de la artista. Los materiales son diversos —vidrio, bronce, textiles, ramas, luz LED y manecillas de reloj, entre otros—, pero, como explica León, “los materiales para mí son simplemente medios, el hilo conductor está en el concepto”.

En una nueva serie, las manecillas de reloj dejan de cumplir su función habitual para convertirse en elementos con los que la artista dibuja, construye relaciones espaciales y cuestiona nuestra manera de medir y controlar el tiempo. En otras obras, la artista vuelve la mirada hacia la naturaleza para encontrar patrones que se repiten en las trayectorias de un huracán, el cauce de un río, el vuelo de una abeja, un relámpago o las formas de una rama.

Una de las piezas de la exposición, Espejismos, reproduce mediante una estructura de luz LED la forma de una rama, creando la imagen de un relámpago. Para León, esta obra evidencia cómo una misma estructura puede ser percibida de maneras diferentes y cómo el arte puede abrir otras formas de mirar.  “Lo del arte es eso: no es solo lo que yo estoy diciendo. Me encanta escuchar nuevas interpretaciones.”

El tiempo como paradoja

Para Glenda León, el tiempo ha sido una preocupación constante a lo largo de su trayectoria. En esta exposición aparece no como una unidad que pueda medirse fácilmente, sino como una experiencia relativa, subjetiva y, en ocasiones, imposible de atrapar.  “Hay situaciones en que no hace falta medir el tiempo”, explica. “Te pones a hablar con alguien, parece que fueron dos minutos y al final te dicen: ‘te pasaste tres horas ahí’. Es como esa relatividad. Medimos el tiempo con unos parámetros, pero al final no siempre son útiles”.

La artista también se interesa por aquello que puede suceder dentro de un instante. Una decisión aparentemente mínima, un encuentro fortuito o un cambio de dirección pueden modificar el curso de una vida.  “Hay como diferentes vidas, quizás, esperando diferentes desarrollos en tu vida, esperando una decisión tuya o simplemente una cosa del azar”, afirma.

Desde allí aparece una de las ideas centrales de la muestra: la multiplicidad de probabilidades de un instante, concepto que la artista relaciona con su interés por la física cuántica y que, según explica, ha funcionado como uno de los motores de su trabajo.

Escuchar para poder ver

La exposición también establece una relación entre el tiempo y el acto de escuchar. Para Glenda León, escuchar no significa únicamente percibir un sonido, sino estar verdaderamente presente y abierto a otras posibilidades de percepción. “Lo que me interesa es aportar algo que nadie haya visto antes”, señala. “Cuando uno ve algo completamente inesperado, nuevo, se produce un estado de asombro. Y ese asombro puede abrir nuevas perspectivas, nuevos ojos, una nueva forma de mirar el mundo”. 

Por eso, más que imponer una interpretación, la artista espera que sus obras produzcan una experiencia de descubrimiento.  “Lo que espero del espectador es eso: que se sorprenda, que pueda aportarle algo nuevo, una nueva perspectiva del mundo, nuevos ojos, una nueva forma de mirar el mundo.”  Y para quienes visiten la exposición, León propone una invitación particular: “Los invitaría a escuchar la voz del Ver”.    La frase, tomada de Las enseñanzas de Don Juan, de Carlos Castaneda, alude a una forma de percepción que permite ver más allá de aquello que habitualmente vemos.

Naturaleza: un mismo patrón, una misma energía

  Tres textiles presentes en la exposición hacen parte de una investigación que León desarrolla desde hace años sobre los patrones que se repiten en la naturaleza. Cada uno representa, como una mínima partitura musical, una línea asociada a un fenómeno o recorrido natural: el vuelo de una abeja, el cauce de un río y la trayectoria de un huracán.  La artista encuentra en estas semejanzas una evidencia poética de nuestra conexión con el mundo natural. “Cuando ves un relámpago, las venas del cuerpo, un huracán o la trayectoria de una abeja, te das cuenta de que las líneas son muy parecidas. Es algo mágico cómo se repite ese patrón.”

Esta observación conduce a una reflexión más amplia sobre nuestra relación con los demás seres y con el entorno: “al entender que pertenecemos todos a un mismo sistema, como seres humanos también creo que nos volvemos más compasivos y comprendemos que si dañas algo del exterior, a alguna persona, a algún animal, cualquier cosa que puedas hacer, también representa un daño hacia ti mismo, porque somos parte de un todo.”

Bogotá como parte de la obra

La primera exposición individual de Glenda León en Colombia no es, además, una muestra completamente desligada del territorio donde se presenta. Varias piezas incorporan procesos y elementos de producción local.  Una rama utilizada en una de las obras proviene de las inmediaciones del taller donde se están realizando las piezas. Los textiles fueron elaborados por una madre y su hija tejedoras, mientras que parte de los trabajos en vidrio también fueron producidos en Colombia.  Para León, esta relación con lo local resulta especialmente significativa después de su primer acercamiento a Bogotá a propósito de la bienal anterior. “Me gustó mucho la efervescencia creativa que hay, la efervescencia cultural, la gente que es muy cálida, muy espontánea. Y La Cometa tiene una trayectoria que es muy respetada. Para mí es un privilegio poder tener el respaldo de una galería con tanta trayectoria y tanto nivel de profesionalidad.”

¿Qué espera que suceda cuando un espectador se encuentre con sus obras? 

Primero, lo que me gusta aportar es algo que nadie haya visto antes, que no se haya visto antes, porque eso produce un estado de asombro que me interesa mucho. Como Borges, una frase que me gusta mucho: “He dicho asombro donde otros dicen costumbre”. Ese asombro va acompañado de nuevas conexiones neuronales, porque cuando uno ve algo completamente inesperado, nuevo, según los científicos, empiezan a conectarse nuevas neuronas en nuestro cerebro. Y al conectarse nuevas neuronas somos más abiertos, más tolerantes, más creativos. Entonces, lo que espero del espectador es eso: que se sorprenda, aportarle algo nuevo, una nueva perspectiva del mundo, nuevos ojos, una nueva forma de mirar el mundo.

¿De dónde nace su investigación sobre las partituras y los patrones de la naturaleza?

Esos son los tres textiles que vamos a exhibir. Son una partitura mínima, porque es un solo renglón de la partitura, y una línea que en cada caso responde al vuelo de una abeja, al cauce de un río o a la trayectoria de un huracán. Es una investigación que empecé hace tiempo, desde el año 2010, y que profundicé durante el confinamiento. Me interesa la relación entre diferentes elementos de la naturaleza y cómo hay un patrón que se repite. Cuando ves un relámpago, las venas del cuerpo, un huracán o la trayectoria de una abeja, te das cuenta de que las líneas son muy parecidas. Para mí es como un patrón divino, que no es más que la representación de la misma energía a la que pertenecemos.

¿Cómo aparece el tiempo en las nuevas obras?

El uso de las manecillas del reloj es, como en otras ocasiones, una manera de utilizar un elemento cargado de simbolismo. Antes he usado el pelo, el chicle o las cuerdas de guitarra para dibujar. Ahora uso las manecillas como una referencia al tiempo, al control del tiempo, y para cuestionarnos qué es el tiempo. Medir el tiempo es una construcción social. Es muy interesante pensar de dónde viene esa idea de medirlo. La medición del tiempo empieza en los conventos medievales, con las campanas que anunciaban los tiempos de rezo, y luego, con la Revolución Industrial, los relojes se convierten también en herramientas para controlar el tiempo del obrero. Lo que me interesa es desmantelar todo esto y convertir las manecillas del reloj en formas de representar un sonido, en una regla, en una manera de cambiar el espacio y establecer una relación entre espacio y tiempo.

¿A qué suena el tiempo?

Es una cosa que no había pensado. Fue una frase que se me ocurrió hablando un poco de la imposibilidad de atrapar el tiempo, de verlo, de escucharlo. Pero quizás la exposición sea un intento por representar otras formas de no tiempo. También hablo de esa relatividad: a veces estás hablando con alguien, parece que fueron dos minutos y al final te dicen: “Oye, pero te pasaste tres horas ahí”.  Medimos el tiempo con unos parámetros, pero al final no siempre son útiles. Hay situaciones en que no hace falta medir el tiempo. Quizás sí he escuchado el tiempo en ese sentido.

¿Qué significa para usted la multiplicidad de probabilidades de un instante?

Es una cosa que me ha fascinado, un concepto que viene de la física cuántica, y que para mí ha sido un motor para hacer mi trabajo.  Es mágico cómo en un instante te puede cambiar la vida. Hay películas que lo reflejan muy bien: dos personas se desencuentran porque en un momento uno mira hacia un lado y el otro se agacha para coger una llave. Son instantes que te pueden cambiar la vida. O vas caminando por una calle, decides doblar la esquina y ahí te encuentras con una persona que hacía treinta años no veías, y ese encuentro te puede cambiar el día o la vida. Eso es la magia del instante. Transmitir la relatividad de las cosas: que no todo es solamente lo que vemos, sino que hay muchísimas formas de apreciar un instante.

¿Qué invitación hace al público frente a esta exposición?

Los invitaría a escuchar la voz del Ver.  No es una frase mía, sino de Carlos Castaneda, en Las enseñanzas de Don Juan. Es una frase que explica cómo los chamanes podían escuchar una voz que les hacía ver más allá de lo que otros seres humanos veían.

¿Qué significa para usted presentar por primera vez una exposición individual en Colombia?

En la exposición hay elementos que conectan con lo local. Una pieza utiliza una rama tomada de acá, muy cerca del taller donde se están realizando las obras. Los textiles están hechos por una madre y una hija tejedoras. Los vidrios también fueron realizados acá. Hay mucho de producción local y eso me gusta mucho.  Cuando conocí Bogotá a raíz de la bienal pasada, me gustó mucho la efervescencia creativa y cultural que hay, y la gente, que es muy cálida y espontánea. Y La Cometa tiene una trayectoria que es muy respetada. Para mí es un privilegio tener el respaldo de una galería con tanta trayectoria y tanto nivel de profesionalidad.

¿Cómo entiende la relación entre arte y mercado?

Siempre hay que recordar que el arte existe primero, y después todo lo demás. El acto creativo es independiente, es autónomo de cualquier intercambio comercial, porque es un impulso desde el artista, pero además es una necesidad social. El arte siempre va a existir porque va a existir ese impulso y esa necesidad de ir más allá de la realidad.  Para mí es un privilegio vivir de mi arte y estoy enormemente agradecida con todo ese sistema del arte que me ha permitido desarrollarme. Tanto los coleccionistas como los museos y los curadores han contribuido al desarrollo de mi carrera.

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Una exposición para detenerse

“El tiempo es un sonido que no escuchamos” propone, en últimas, una experiencia que no busca explicar el tiempo sino hacerlo sensible. A través de objetos, materiales, sonidos sugeridos, patrones naturales, luz y relaciones entre espacio y tiempo, Glenda León plantea una pregunta que queda abierta para cada espectador: ¿qué sucede en ese instante que estamos viviendo y que, precisamente por estar viviéndolo, quizá no alcanzamos a escuchar?

La exposición podrá ser visitada en La Cometa, Carrera 10 # 94 A – 25, Bogotá, donde estará hasta el mes de noviembre.

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El cantautor Piero falleció este miércoles a los 81 años, informó su familia a través de sus redes sociales, donde destacó el legado musical del artista, así como su mensaje de paz.

“Con profundo dolor comunicamos el fallecimiento de nuestro querido Piero a sus 81 años. Su voz, sus canciones y su mensaje de paz quedan para siempre con nosotros”, señala el mensaje publicado por sus familiares y amigos.

La familia agradeció las muestras de cariño recibidas y aseguró que la música del intérprete continuará presente: “Su luz va a seguir brillando en cada rincón donde su música siga llegando”… “Buen viaje, querido Piero”, concluyó su familia.

Piero Antonio Franco De Benedictis nació el 19 de abril de 1945 en Galípoli, Italia, y llegó a Argentina a los tres años. Inició su carrera artística en la década de los 60 y debutó en televisión en 1964.

En 1968 conoció al poeta y letrista José Tcherkaski, con quien formó una dupla creativa que dio como resultado algunos de sus temas más conocidos, entre ellos “Mi viejo”, publicada en 1969 y convertida en uno de los clásicos de la música popular argentina y latinoamericana.

También forman parte de su repertorio canciones como “Pedro Nadie”, “Coplas de mi país”, “Para el pueblo lo que es del pueblo”, “Juan Boliche” y “Llegando llegaste”.

Su carrera estuvo vinculada con la canción social y de protesta, particularmente durante la década de los 70. Tras el golpe militar de 1976, Piero se exilió en España y posteriormente regresó a Argentina en 1981.

A lo largo de más de seis décadas de trayectoria publicó más de 25 discos y ofreció miles de conciertos.

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Además de su trabajo musical, creó la Fundación Buenas Ondas, enfocada en proyectos relacionados con la niñez. En 1985 recibió el Diploma al Mérito de los Premios Konex y en 2016 fue reconocido con el Premio a la Excelencia Musical de la Academia Latina de la Grabación.

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_{Con información de Notistarz/Staff}

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Los videojuegos que hoy se crean en Colombia tendrán en SOFA 2026 una oportunidad para encontrarse directamente con sus jugadores. Del 8 al 12 de octubre, 32 estudios independientes locales participarán en Beta Test Fest, donde los visitantes podrán probar proyectos en desarrollo, conocer a quienes están detrás de su creación y acercarse a propuestas que aún se encuentran en proceso de construcción dentro de la industria nacional 

Ese encuentro entre desarrolladores y jugadores ocurre en medio de una industria que continúa ampliando su alcance. En 2026, 3.700 millones de personas jugarán videojuegos en el mundo y el sector generará USD 213.900 millones, según Newzoo, lo que representa un crecimiento del 6,1 % frente al año anterior. Más que una actividad asociada únicamente al entretenimiento, el videojuego reúne hoy comunidades, competencias, creación tecnológica y nuevas posibilidades profesionales. 

La programación gamer de SOFA reunirá diferentes formas de vivir los videojuegos.  Comunidades como Mario Kart y la Comunidad de Tetris realizarán demostraciones, encuentros, torneos y tutoriales, mientras la competencia tendrá presencia a través del equipo F4, Scrub Community y su escenario, además de un torneo de BetPlay en la tarima principal. De esta manera, un visitante podrá pasar de probar un videojuego independiente a competir, conocer comunidades organizadas o acercarse al universo de los esports. 

“En SOFA vemos los videojuegos como mucho más que un título o un lanzamiento. Los entendemos como una cultura en la que se encuentraon el arte, la tecnología, la comunidad, la identidad, la creatividad y el entretenimiento. Por eso, buscamos reunir las diferentes formas de vivir esta afición: desde quienes llegan a jugar y competir hasta quienes quieren entender cómo se desarrolla un videojuego, conocer nuevos proyectos o encontrarse con otras personas que comparten sus intereses”, afirma Zantiago Echeverri, director de Contenidos de SOFA. 

Para quienes quieren ir más allá de jugar y acercarse a lo que ocurre detrás de cada título, Game Dev Academy llevará a la tarima principal conversatorios, charlas y conferencias alrededor del desarrollo de videojuegos. A esto se sumarán las franjas gamer de SOFA Academy, con contenidos sobre títulos, sagas y curiosidades de algunos de los juegos más conocidos de la industria. 

Esta programación también responde a un interés creciente por conocer, crear, desarrollar y profesionalizarse alrededor de los videojuegos en Colombia. De acuerdo con el Global Entertainment & Media Outlook de PwC, la industria de los videojuegos generó USD 461,1 millones en el país durante 2025, de los cuales USD 304,1 millones correspondieron a juegos sociales y casuales. 

“Para Corferias, SOFA representa la posibilidad de reunir en un mismo escenario a las comunidades que disfrutan los videojuegos y al talento que está detrás de su creación. Que los visitantes puedan jugar, competir, aprender y, al mismo tiempo, conocer proyectos desarrollados en Colombia permite visibilizar una industria que genera nuevas oportunidades para los jóvenes, los creadores y los emprendimientos vinculados con las industrias culturales y creativas”, señala Tatiana Rudd, jefe de proyecto de SOFA en Corferias. 

La participación de las mujeres también hará parte de esta conversación. La Secretaría Distrital de la Mujer presentará resultados de talleres y encuentros sobre su presencia en la escena gamer, desde los espacios casuales y competitivos hasta el desarrollo de videojuegos. En 2025, la entidad señaló que el 72 % de las mujeres conectadas a internet juega videojuegos y organizó en SOFA un encuentro distrital para visibilizar la participación de gamers y creadoras digitales, así como los desafíos que enfrentan. 

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SOFA 2026 será así un espacio para vivir y compartir la cultura gamer desde distintas experiencias: probar un videojuego colombiano en desarrollo, competir en un torneo, conocer una comunidad o descubrir cómo se crea un título. 

Del 8 al 12 de octubre, Corferias reunirá esas distintas formas de jugar, crear, competir y construir comunidad alrededor de los videojuegos.

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SOFA 2026 llega a Corferias del 8 al 12 de octubre como un plan para disfrutar en familia durante la semana de receso. Niños, adolescentes, padres y abuelos podrán recorrer juntos universos completamente diferentes, encontrarse con aquello que ya les apasiona y, al mismo tiempo, descubrir los gustos e intereses de los demás. Una oportunidad para explorar nuevas aficiones, sorprenderse con otros mundos y crear recuerdos entre generaciones.

Para los más pequeños, una de las paradas será SOFA Kids, ubicado en el Pabellón 1, nivel 2. Este espacio está dirigido a niñas y niños entre 5 y 12 años y propone actividades alrededor del juego, la programación, el dibujo, la lectura y la expresión creativa. La idea es que los niños no lleguen únicamente a observar, sino que puedan experimentar, crear y acercarse a nuevos intereses.

También habrá experiencias para compartir en familia. Desde el encuentro de fans de los dinosaurios en la zona de Jurassic Experience hasta una mirada muy particular al mundo pokémon con El Museo Pokeontológico. Mientras tanto, la feria renacentista nos permitirá entrar al universo de la fantasía medieval.

“SOFA tiene la capacidad de reunir generaciones que viven sus aficiones de maneras distintas. Un niño puede sorprenderse con algo que ve por primera vez, un joven puede encontrarse con una comunidad que comparte sus intereses y un adulto puede reconocer una historia o descubrir el mundo que apasiona a sus hijos. Ese intercambio hace que cada familia construya su propia experiencia dentro del evento”, afirma Zantiago Echeverri, director de Contenidos de SOFA.

Los adolescentes también encontrarán una agenda propia. La programación incluye el Torneo Smash Ultimate, KPX Concert: Revolt, contenidos de cultura gamer y propuestas como Halo: Celebrando 25 años, que llegará a la Pasarela Cosplay del Pabellón 8, nivel 2. A esto se suman Beta Test Fest, donde podrán acercarse a videojuegos en desarrollo, y Hashtag x Fest, que reunirá streamers, tiktokers, youtubers y creadores digitales.

“La semana de receso es una oportunidad para compartir tiempo en familia, pero eso no significa que todos tengan que querer hacer lo mismo. SOFA permite que distintas edades e intereses convivan en un mismo lugar y que cada integrante encuentre su propio plan, mientras descubre también lo que entusiasma a los demás”, señala Tatiana Rudd, jefe de proyecto de SOFA en Corferias.

Para los adultos, la programación suma arte, diseño y cultura popular. Ciudad de Artistas reunirá propuestas de ilustración, cómic, escultura y diseño; mientras el Museo de trajes, las experiencias de fotografía, las exhibiciones y las charlas amplían el recorrido hacia otros intereses relacionados con la creatividad, la cultura y el diseño.

Los adultos mayores también tendrán razones para hacer parte del recorrido. Historia de la Bicicleta, las exhibiciones de vestuario, el arte, la fotografía, el diseño y los espacios de creación ofrecen alternativas para disfrutar SOFA y, al mismo tiempo, acercarse a las aficiones de hijos y nietos. Además, los mayores de 70 años ingresan gratis, al igual que los menores de 7 años, presentando documento de identidad.

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Del 8 al 12 de octubre, SOFA 2026 cerrará la semana de receso reuniendo generaciones, gustos y formas distintas de disfrutar el tiempo libre en un mismo lugar.

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En Bogotá, cerca del 75 % de las personas celebra Halloween y los centros comerciales registran un aumento superior al 18 % en visitantes durante esta fecha, según Fenalco. Centro Chía prepara para el 31 de octubre un desfile familiar con premios a los disfraces más destacados.

Halloween dejó de ser una celebración exclusivamente asociada con los niños. Las familias, los jóvenes, las mascotas, la creatividad y las experiencias se han convertido en protagonistas de una fecha que cada año genera movimiento en los hogares, el comercio y los espacios de entretenimiento.

En Bogotá, alrededor del 75 % de las personas celebra Halloween, de acuerdo con una encuesta de Fenalco Bogotá Cundinamarca. El estudio también señala que 36 % de los encuestados planeaba visitar centros comerciales durante la celebración y que estos establecimientos registran un incremento superior al 18 % en visitantes el 31 de octubre frente a un día normal.

A nivel nacional, Fenalco encontró que 73 % de los colombianos tenía previsto celebrar Halloween, mientras que el 50 % de quienes participarían lo haría principalmente en familia. La encuesta también mostró que 41 % planeaba disfrazar a sus mascotas, una señal del alcance que ha adquirido esta celebración más allá del público infantil.

De los disfraces a las experiencias

La celebración también ha cambiado en la manera como las personas buscan vivir Halloween. Según Fenalco, entre las actividades que más interés generan se encuentran los shows de magia e ilusión (29 %), la decoración temática (28 %) y las actividades interactivas (25 %).

En materia de disfraces, 43 % de los encuestados busca ideas en internet y 30 % recurre a las redes sociales, mientras que 13 % opta por reciclar o elaborar su propio disfraz.

El componente económico también tiene peso. En Bogotá, Fenalco encontró que 45 % de las personas destinaba entre $100.000 y $200.000 para disfraces, accesorios y maquillaje, mientras 37 % contemplaba gastar menos de $100.000.

Estos datos muestran cómo Halloween se ha convertido en una fecha en la que las familias no solamente buscan dulces o disfraces, sino también espacios para reunirse, participar en actividades y crear experiencias compartidas.

Centro Chía tendrá desfile de Halloween el 31 de octubre

En este contexto, Centro Chía realizará el 31 de octubre un desfile de Halloween entre las 2:00 p. m. y las 6:00 p. m., con una programación pensada para la participación de las familias.

Durante la jornada se desarrollará un desfile de Halloween, en el que la creatividad de los asistentes será uno de los principales protagonistas.

La actividad contempla el reconocimiento de tres categorías:

• Familia mejor disfrazada.
• Disfraz individual más destacado.
• Niño mejor disfrazado.

Los ganadores recibirán premios entregados por Centro Chía y sus marcas aliadas, como parte de una jornada que busca reunir a las familias alrededor de la creatividad, los disfraces y el entretenimiento.

Más allá del concurso, el desfile refleja una tendencia que ha venido tomando fuerza: Halloween como una experiencia compartida entre diferentes generaciones, donde los adultos también participan activamente en la construcción de los disfraces y las actividades de los niños.

Una celebración que mueve a las familias

El interés por participar en actividades de Halloween también se relaciona con el papel que tienen los centros comerciales como espacios de encuentro familiar.

Centro Chía cuenta actualmente con más de 342 marcas, además de un parque natural de aproximadamente 2,5 hectáreas, y desarrolla una oferta de entretenimiento dirigida a diferentes edades. El complejo también cuenta con espacios pet-friendly, en línea con una celebración en la que las mascotas han adquirido cada vez mayor protagonismo.

El comportamiento registrado por Fenalco ayuda a dimensionar esta tendencia. En Bogotá, 42 % de los encuestados planeaba asistir a discotecas o bares, 36 % visitar centros comerciales y 22 % realizar actividades de “dulce o truco” en su barrio durante Halloween.

Así, mientras las formas tradicionales de celebrar permanecen, también crecen las alternativas que convierten la fecha en una oportunidad para reunirse, disfrazarse, participar y compartir.

La creatividad se convierte en protagonista

Halloween también representa una oportunidad para que niños y adultos participen en procesos creativos. Desde la elaboración de disfraces hasta la creación de personajes y la participación en actividades temáticas, la celebración ha ampliado sus posibilidades.

De hecho, la encuesta nacional de Fenalco encontró que 28 % de los consumidores busca disfraces más originales o de mejor calidad, mientras que 13 % contempla reutilizar materiales o elaborar su propio atuendo.

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En ese escenario, el desfile de Centro Chía propone llevar esa creatividad al espacio público y convertirla en una experiencia colectiva, con categorías que permiten participar tanto individualmente como en familia. Además, Centro Chía cuenta con una oferta comercial, gastronómica, de entretenimiento y de espacios naturales dirigida a las familias de la Sabana.

Desfile de Halloween
Fecha: 31 de octubre
Hora: 2:00 p. m. a 6:00 p. m.
Lugar: Centro Chía

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El miedo también puede convertirse en una experiencia para vivir en primera persona. A partir del 9 de octubre, Outlet Factory Centro Comercial abrirá al público La Fábrica del Terror, una experiencia inmersiva que propone un recorrido por diferentes escenarios inspirados en el imaginario clásico del terror y que tendrá como uno de sus principales atractivos The Thriller Factory, un espacio inspirado en el universo de Thriller, uno de los videoclips más icónicos de la cultura pop.

Durante aproximadamente cinco minutos, los visitantes recorrerán diferentes ambientes diseñados para generar momentos de suspenso y sorpresa, en los que deberán enfrentarse a personajes, sonidos y situaciones inesperadas. La experiencia busca convertir al público en protagonista de un recorrido en el que no solo tendrá que observar lo que ocurre a su alrededor, sino reaccionar ante aquello que aparece cuando menos lo espera.

Entre las escenas se encuentra un pasillo con cortinas mojadas, ambientado con telarañas y elementos que buscan generar una sensación de contacto con criaturas desconocidas; La Imagen Falsa, en la que un personaje permanece oculto detrás de un antiguo marco hasta sorprender a quienes atraviesan el pasillo; y El Cuarto de los Niños, donde juguetes antiguos, muñecas, una caja de música y una mecedora construyen una atmósfera inquietante.

Otro de los espacios será El Cine Embrujado, donde los visitantes ingresarán en grupos pequeños acompañados por un personaje caracterizado como un antiguo acomodador. Allí, una función aparentemente convencional dará paso a una secuencia de oscuridad, sonidos, puertas inesperadas y personajes que aparecerán entre el público.

Un homenaje al fenómeno cultural de Thriller

Dentro del recorrido, The Thriller Factory toma como referencia el imaginario de 1983, año en que Thriller se convirtió en un fenómeno de la cultura pop. La propuesta traslada algunos de sus elementos al lenguaje del terror inmersivo para que los visitantes pasen de ser espectadores a formar parte de la historia.

El recorrido estará disponible los viernes y sábados, de 2:00 p. m. a 5:00 p. m., desde el 9 de octubre, en el segundo piso de Outlet Factory Centro Comercial. El acceso se obtiene con compras iguales o superiores a $50.000, cuyas facturas podrán registrarse en el punto de información desde el 1 de octubre.

Así, La Fábrica del Terror se suma a la agenda de experiencias de Halloween en Bogotá con una propuesta que combina terror, cultura pop y entretenimiento inmersivo, pensada para quienes buscan vivir una historia en lugar de simplemente verla.

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Datos clave:

• Experiencia: La Fábrica del Terror / The Thriller Factory
• Inicio: 9 de octubre de 2026
• Días: viernes y sábados
• Horario: 2:00 p. m. a 5:00 p. m.
• Lugar: Outlet Factory Centro Comercial, segundo piso
• Duración del recorrido: aproximadamente 5 minutos dos boletas.

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Bogotá se prepara para recibir a tres nombres que han dejado una huella imborrable en la música latinoamericana: Bonny Cepeda, Don Fulano —el original de Fulanito— y Marcos Díaz, tres exponentes que, desde diferentes géneros y momentos de sus carreras, han conseguido convertir sus canciones en parte de la memoria musical de varias generaciones.

Su visita a la capital colombiana llega en un momento especial para los tres artistas, quienes mantienen vigente su propuesta musical con nuevos lanzamientos que demuestran que el legado también puede renovarse.

Bonny Cepeda: el merengue que sigue haciendo historia

Hablar de Bonny Cepeda es hablar de una de las grandes figuras del merengue dominicano. Cantante, compositor y arreglista, su trayectoria lo ha convertido en uno de los artistas más reconocidos del género y en una figura fundamental para entender la expansión internacional del merengue.

Después de décadas de éxitos que permanecen en el imaginario colectivo, Cepeda continúa activo y conectado con nuevas audiencias. Su más reciente etapa discográfica incluye “Pero Se Cambió la Jugada”, reafirmando que su sonido y su energía continúan vigentes.

Su relación con Colombia tampoco es nueva. El artista ha demostrado en diferentes ocasiones que el público colombiano conserva una conexión especial con sus canciones y con ese merengue que marcó una época y que todavía hoy llena las pistas de baile.

Don Fulano, el original: El sonido que cambió la fiesta

Con una identidad musical imposible de confundir, Don Fulano, recordado por su paso como una de las figuras principales de Fulanito, regresa con nueva música y con la misma intención que lo convirtió en un referente: hacer bailar.

El artista ha venido construyendo una nueva etapa de su carrera con producciones que conectan su legado tropical con sonidos contemporáneos. Entre sus lanzamientos recientes se encuentra “Booty Hot”, canción que hace parte del nuevo material en el que viene trabajando.

Su propuesta mantiene presente la esencia que lo convirtió en protagonista de una generación que bailó al ritmo de canciones como “Guayando”, “La Novela” y “Quién Es Fulanito?”, pero ahora desde una perspectiva renovada.

Don Fulano demuestra así que los sonidos que hicieron historia no desaparecen: evolucionan, se transforman y encuentran nuevas generaciones dispuestas a bailarlos.

Marcos Díaz y “El precio de la Felicidad”: Una historia que se canta

A este encuentro se suma Marcos Díaz, quien llega a Bogotá presentando “El Precio de la Felicidad”, una colaboración junto a Alex Manga que representa una nueva apuesta dentro de su recorrido musical.

Lanzada en 2026, la canción se instala desde la emoción y la interpretación para hablar de esas historias en las que la felicidad, el amor y las decisiones de la vida tienen un precio.

La colaboración con Alex Manga conecta además dos voces reconocidas por el público latinoamericano y le da a la canción una dimensión especial, acercándola a los seguidores de la música popular y tropical.

Con esta nueva producción, Marcos Díaz demuestra que su historia musical continúa escribiéndose y que todavía hay nuevas canciones capaces de convertirse en parte de la banda sonora de quienes las escuchan.

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Tres carreras, tres legados y una noche para recordar

El próximo 9 de octubre, La Gringa de la 93, en Bogotá, será el escenario de una celebración que reunirá a estos tres grandes exponentes en una fiesta retro cargada de nostalgia, baile y grandes éxitos.

La noche propone un recorrido por diferentes épocas y sonidos: el merengue de Bonny Cepeda, la energía tropical de Don Fulano y la propuesta musical de Marcos Díaz, en un encuentro pensado para quienes vivieron estas canciones y para las nuevas generaciones que hoy las vuelven a descubrir.

Será una noche para cantar, bailar y recordar; una oportunidad para volver a esos clásicos que nunca dejaron de sonar y, al mismo tiempo, descubrir las nuevas canciones con las que estos artistas continúan construyendo su historia.

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Dos países se unen a través de la música para darle vida a una canción que fácilmente se puede convertir en el tema propio para dedicarle a ese amor que te marcó la vida, se fue y ahora sigue su camino como si nada. GERARD FLORES de Argentina y VIRGI DART desde Colombia presentan “¿CÓMO VUELVES A QUERER?” una cumbia pop al mejor  estilo pimpinela.

Estos dos artistas latinos se conocieron durante la gala de los Latin Grammy del año 2024 y sin duda la conexión musical no se hizo esperar, Gerard quedó cautivado por el carisma y la magia de la personalidad de Virgi además de que su calidad interpretativa también le llamó la atención, por su parte Virgi encontró en el argentino un artista integral, creativo y con el cual se sentía totalmente cómoda por lo que sin dudar decidieron darle vida a esta bella canción.

La canción es composición de Gerard Flores y es una conversación jocosa entre dos amigos, que inicia siendo la búsqueda de consuelo y consejo pero que se va transformando en una provocación y una insinuación de amor de una de las partes, sin embargo, este cambio en la historia crea una tensión en la misma generando duda y a la ves desconfianza pues volver a querer no es tan fácil. La canción estuvo bajo la producción musical de Pedro Vengoechea en Colombia y es una fusión perfecta entre el pop y la cumbia, un sonido fresco renovado y tropical que invita a bailar y disfrutar al son de la música.

El video que fue rodado en Estados Unidos muestra que Virgi y Gerard viven una misma historia desde perspectivas e intenciones completamente diferentes. Ella lo considera a él un amigo leal y desinteresado, alguien que está a su lado para ayudarla a superar la ruptura con su ex, confía en sus consejos porque cree que nacen de una amistad sincera. Sin embargo, Gerard no es del todo honesto: aprovecha la vulnerabilidad emocional de Virgi para aconsejarla en función de sus propios intereses, ya que siente una atracción romántica por ella.

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“¿Cómo vuelves a querer?” ya se encuentra disponible en diferentes plataformas digitales y YouTube, mientras los artistas se preparan para presentar a su público en vivo esta bella canción.

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La reconocida artista colombiana María Isabel de Lince fiel a su compromiso por el bienestar y la salud mental del ser humano, ha elevado su experiencia en psicología a obras de arte basadas en la naturaleza para transmitir experiencias y dar ese balance de tranquilidad, buscando una pausa de paz a este mundo tan convulsionado.

Con la mira en cumplir su objetivo, “La Pintora de la Luz ” está presente en UN_FAIR Tequendama con sus obras y su libro, una exposición imperdible donde ella personalmente recibe a los visitantes y presenta su trabajo artístico.

La reconocida artista colombiana clasifica sus pinturas según los elementos de la naturaleza: Aire, Fuego, Tierra y Agua. El propósito de catalogarlos así es para enviar un mensaje de amor a este asombroso planeta Tierra, tan exuberante, misterioso, bello, y tan lleno de vida. Este es su mayor anhelo: tocar el espíritu del ser humano para que descubra y proteja la grandeza de nuestra riqueza natural.

Para María Isabel de Lince, el llegar a UN_FAIR Tequendama le ha permitido mostrar todo su trabajo en Colombia y se enorgullece cuando los visitantes le expresan que con sus obras “sienten paz, tranquilidad, alegría y esperanza”.

En su experiencia artística afirma sentirse más cómoda trabajando inspirada en el agua, pero recalca que sus obras con los demás elementos como Aire, Fuego y Tierra buscan la paz interior y a su vez darle el verdadero valor a la naturaleza y su impacto sensorial.

En cuanto a los nombres de sus obras generalmente los define al terminarlas e incluso, nos contó que en ocasiones son los visitantes mismos quienes la guían para bautizar sus trabajos, como le pasó con la obra “Libertad”, que se encuentra en la actualidad en Miami, Estados Unidos. Con los colores, su preferido es el azul, el que denomina el “color del amor”, aunque no deja atrás en sus pinturas la alegría del rojo y la majestuosidad y luz del color verde.

Son 21 obras las que componen la exposición de arte de María Isabel de Lince y usted las puede observar en el UN_FAIR Tequendama, en la suite 29-909 y la zona VIP del piso 30 del Tequendama Suites Hotel, en pleno Centro Internacional de Bogotá.

Conozca más de la Maestra María Isabel de Lince

María Isabel de Lince, artista colombiana, se graduó en Arte y Diseño Arquitectónico y Psicología en la Pontificia Universidad Javeriana en Bogotá, Colombia.  Estudió Dibujo y Pintura en Cooperartes; y con los maestros: David Manzur, Fernando Dávila, y Miguel Moyano.

Durante su ejercicio como psicóloga condujo varios programas de televisión que abrieron el diálogo con la audiencia sobre temas de fundamental importancia para las familias. Posteriormente, creó la Fundación Prometeo, centro dedicado a la prevención y educación, como estrategia para eliminar o reducir los factores de riesgo en el consumo de drogas y alcohol, labor que realizó a lo largo de 25 años.​

Ha participado en numerosas exposiciones, entre otras: Museum of Hispanic and Latin American Art. Florida – USA, Euroamerica Galleries. Nueva York – USA; Feria de arte de Beijing – China; Carrusel del Louvre. París – Francia; 1st International Modern Art Austria Biennale. Viena – Austria; International Fine Art Masters. Viena – Austria; International Prize Colosseo. Brancaccio Palace. Roma – Italia; Attimi di Luce. MXM Arte. Pietrasanta – Italia; Leonardo Da Vinci Award. Galleria La Pigna. Roma – Italia; Casanova Award. Flangini Palace. Venecia – Italia; The best modern and contemporary artists. Palais Sternberg. Viena – Austria; I Segnalati. InArte Werkkunst Gallery. Berlín – Alemania; Small is beautiful II. Alliance Francaise. Dubai – Emiratos Árabes Unidos; International Biennal of Flanders. Brujas – Bélgica; International Prize Velásquez. MEAM Museum. Barcelona – España; y III Bienal de Arte de Barcelona. MEAM Museum. Barcelona – España.

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Ha obtenido numerosos premios como: Mención de Honor Women in the Arts. Museo de las Américas. – USA; Mención de honor Rotary Club. Bogotá – Colombia; Mención de honor International Print Festival. Bérgamo – Italia; Primer Premio homenaje a Xavier Carbonell. Museo de las Américas. Houston – USA; Mención de Honor Women in the Arts. Museo de las Américas – USA; International Prize Colosseo. Brancaccio Palace. Roma – Italia; Premio Shakespeare in Art. Palaexpo. Verona – Italia; Casanova Award. Flangini Palace. Venecia – Italia; Premio Contemporanei nella Cittá degli Uffizi. Florencia – Italia; Stylistic value. The best modern and contemporary artists. Palais Sternberg. Viena – Austria; Premio Internazionale Arte Milano. Teatro dal Verme. Milán – Italia; Biennale Internzionale d’Arte Contemporanea. Museo Gonzaga. Mantua – Italia; International Prize Andrea Mantegna. Teatro Sociale of Mantova – Italia; The Best Modern and Contemporary Artists 2017 – Italia; I Segnalati Berlin. InArte Werkkunst. Berlín – Alemania; 2º. International Prize Leonardo Da Vinci. Borghese Palace. Florencia – Italia; y Mención de honor. Mujeres en el arte. Museo de las Américas. Impulse Art Gallery. Houston – USA; Premio Momentos a toda una vida . 1st Prize ex aequo
Marian Sava, María Isabel De Lince, Daria Vergina.​

Actualmente vive y trabaja en Bogotá.

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